Catálogo de arte, ¿Una pieza más de la exposición o un mero recopilatorio?

Un catálogo de arte. Algo que siempre me encanta tener entre mis manos. Deleitarme con lo visto de manera tranquila. Una afición ya de joven. En casa a mi padre le gustaba mucho el arte y conocía a muchos artistas. Tenía muchos libros y catálogos para poder ojear. En la facultad de Historia del Arte se me acentuó la afición a los libros de papel. No soy capaz de leer en una pantalla del ordenador más de 20 minutos seguidos. Tengo la sensación que al leer en la pantalla se me olvida o se autodestruye todo lo leído a medida que avanzo por las palabras. En los catálogos de arte me sucede lo mismo.

Me siento a descansar en la mesa de la parte de atrás del taller a tomar un café y siempre ojeo un libro. Es el momento donde voy destripando los catálogos de mis compañeros, de exposiciones en museos que he visitado o libros de historia del arte poco a poco. Cuando intento hacer lo mismo en un ordenador me resulta imposible. Empiezo a pasar de imágenes de manera rápida, compulsiva e incluso nerviosa. La propia luz de la pantalla ya me genera cierta ansiedad. Parece que delante del ordenador tu no marcas el ritmo de lectura.

Pero aunque me gusten mucho los catálogos de arte los veo cada vez más anclados en el pasado. Me han sorprendido este último año los catálogos que ha producido el Museo de BBAA de Asturias. Increíbles. Una pieza más de la exposición. Actualmente las galerías apenas producen catálogos de arte. Es un error. Pero también es un error que el propio artista no vea esta herramienta como parte de su trabajo e invierta en la autoedición. Yo como artista cada vez me estoy planteando hacer catálogos de los temas que desarrolle. Autoeditarlos -si la galería quiere intervenir mejor- y en vez de crear un mero catálogo de imágenes de las obras expuestas o del proyecto, crear un catálogo como otra pieza de arte de la serie. Una edición limitada de ejemplares numerados. Un catálogo que presente más el proceso, el trabajo en silencio y en soledad del artista, adentrarse en su mundo y dejar como algo secundario el resultado, las obras. El por qué de la idea del proyecto, citas, influencias y notas del propio artista. Yo como pintor añadiría ciertas notas , dibujos o bocetos.

Actualmente me están llegando a mis manos verdaderas obras de arte en maquetación, diseño y encuadernación. Os voy a mostrar varios ejemplos de catálogos de arte que recogen estas características:

El catalogo razonado de las obras de Camín. Editado por la fundación Cristina Masaveu. Diseñado por Manuel Fernández.

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El vaciado de la huella belga de Carlos Suárez. Editado por el Museo de BBAA de Asturias. Diseñado por Manuel Fernández.

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57 Premio Nacional de Artes Visuales Octavio Podesta. Editado por I+D Diseño Uruguay.

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Catálogo De Francisco Fresno titulado Hacia La Luz. Hasta la ausencia diseñado por Juan Jareño para el Museo de BBAA de Asturias.

Transversal-Biacs3, Youniverse. Libro de arquitectura. Diseño Agencia Buenos días.

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Vasili Kandinsky y sus tres libros fundamentales.

En este artículo no me voy a extender en  hablar del gran artista y teórico Vasili Kandinsky sino de sus tres grandes ensayos teóricos que aportan una importante base para entender el arte contemporáneo. Para entender un arte espiritual, fuera de academicismos clásicos y más ligado al alma del artista.

Vasili Kandinsky (1866-1944) Artista y teórico ruso. Se le considera el precursor de la abstracción en la pintura. Con el se dice que comenzó la abstracción lírica y el expresionismo (fundó en 1911 junto con Franz Marc y otros artistas el grupo expresionista Blaue Reiter, El Jinete Azul). Profesor de la Bauhaus entre 1922-33. Kandinski no solo enseñó la clase de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma.

Kandinski expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinski afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. Kandinski también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Esto se recoge en sus libros de teoría que son:

De lo espiritual en el arte. Publicado por primera vez en 1912.

En el libro de Kandinski compara lo espiritual en la vida de la humanidad a una pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. La evolución del arte y del mundo espiritual se produce en libertad, fuera de influencias. A veces se centra en el color y otras veces en las formas. La evolución de la pintura depende de las formas y de los colores, de como se vayan utilizando y combinando.

Actualmente puedes encontrarlo en la editorial Paidós Estética 24. Al igual que los dos siguientes. Sencilla edición pero con las ilustraciones originales que me encantan. No llega a 115 páginas. Es corto pero no es una lectura entretenida.

Punto y línea sobre el plano.  Aparecido en 1926. Contribución al análisis de los elementos pictóricos.

En sus escritos Kandinski analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico.

El libro se divide en tres partes:

1. El punto. La forma elemental más pequeña, el punto no es sólo redondo, puede tener la forma que queramos.

2.Linea. Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada. Las líneas se crean con rectas pero pueden sufrir ondulaciones creando curvas (moldeables).

3.Plano. Superficie material destinada a reunir el contenido de una obra.

La gramática de la creación. El futuro de la pintura. Primera vez publicado en 1936.

En este libro trata de justificar el principio de necesidad interior, o principio de la toma de contacto con el alma humana. Kandinsky se lamenta de que se haya criticado el arte de la actualidad de ser voluntariamente inexpresivo y cerebral, de haber restringido las posibilidades de evolución y desarrollo de la pintura.

Este libro destaco los apartados de La pintura como arte y todos los puntos tratados en El futuro de la pintura, donde hace una definición muy buena del arte abstracto.

 

Historia del Arte. Un gran resumen en un libro imprescindible.

Este libro es un clásico dentro de la carrera de Historia del Arte. Es un libro indispensable para entender todas las etapas del arte. Una visión bien sintetizada del arte. Unas descripciones perfectas.  Su amenidad y la acertada selección de obras y artistas hacen de esta obra la mejor introducción moderna al tema para el lector en general. En resumen, un gran libro indispensable para los amantes del arte.

El libro es Historia del Arte de Ernst H. Gombrich.

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El libro que yo tengo en mi biblioteca y os describo es la 15 Edición española, revisada y ampliada. Esta edición es de 1990 impresa por la editorial Alianza Forma.

Este libro está muy valorado, sus 550 páginas de 20×15 cm con fotografías a color tienen un precio de 85 €.

Ernst H. Gombrich (1909 Viena – 2001 Londres) fue uno de los grandes historiadores del arte. Y lo fue, sobre todo, porque supo poner al servicio de una escritura transparente, y de una sorprendente capacidad de divulgación, un asombroso caudal erudito que se alimentó de las fuentes más diversas desde el arte más primitivo hasta su contemporaneidad.

Decía en una entrevista publicada en el Pais el año 1991 “En cierto sentido, puede decirse que el arte es como un ser vivo, y que tiene por lo tanto su propia ecología. el espacio social en el que se mueve. Cuando cambia ese espacio, el arte también cambia”.

En el prefacio dice que este libro se dirige a todos aquellos que sienten la necesidad de una primera orientación en un terreno fascinante y extraño.

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Este libro a su vez es indispensable por sus tablas cronológicas, sus mapas y sus ilustraciones a color a lo largo de todo el libro, algo que los manuales no suelen tener.

Su trabajo más influyente no es este libro. Se trata de Arte e ilusión de 1960.

Manual de Arte Moderno esencial para amantes del arte.

Uno de los mejores libros que resume el arte moderno y el comienzo del arte contemporáneo es El Arte Moderno. Del ilusionismo a los movimientos contemporáneos por Giulio Carlo Argan. Editorial Akal..

Giulio Carlo Argan (1909-1992 Roma). Historiador y crítico de arte italiano. Llegó a ser alcalde de Roma entre 1976-79 y senador de la república desde 1983-1992. Fue uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Fue profesor de Historia del Arte e inspector de grandes museos.

La primera edición fue en 1988 en Italia bajo el nombre de L´arte Moderna.

En España la primera edición fue de 1991 y se estructuraba en dos tomos. Actualmente la edición de 1998 se reúne en un tomo. Aquí os muestro las características de la obra:

Yo este libro lo he conocido en la Facultad de Historia del Arte. Fue uno de mis manuales indispensables para hacerme una idea del panorama del arte en esas épocas. Reune buenas descripciones de arquitectura, pintura y escultura.

El manual comienza con el periodo clásicista y romántico de finale del S.XVIII y termina en el arte de los años 80 del siglo XX. De hecho al final del libro hay un resumen de biografías de los artistas más notables del S.XX. Indispensable el índice de artistas y sus ilustraciones al final del libro.

Os recomiendo leer ese libro lentamente, por pequeños periodos. Un libro de mesita de noche en el que vas descubriendo y analizando la historia del arte poco a poco.

Libro sobre el expresionismo abstracto americano.

Este manual, que leí en año 2001 en la Facultad de Historia del Arte, es un completo resumen teórico de esta corriente pictórica. Un corriente nacida en Estados Unidos. La única vanguardia artística genuinamente norteamericana. Nacida de la mano de grandes pintores contemporáneos en los años 40. Hizo que El Centro del arte pasara en aquella época de Paris a New York.

El libro del que hablo es:

El triunfo de la pintura norteamericana. Historia del expresionismo abstracto.

De Irving Sandler

Alianza Editorial, 1996.

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Este es el ejemplar que yo tengo. La obra de la portada es de Willem de Kooning.

Este crítico de arte nacido en 1925 en New York tuvo la oportunidad de estudiar a este grupo de artistas desde su comienzo en las vanguardias. Los ha entrevistado numerosas veces, realizado buenos estudios monográficos y, todo esto lo ha resumido en este libro. Un libro de 352 páginas cargado de ilustraciones. Este libro enlaza desarrollos históricos con biografías monográficas de los artistas más relevantes.

Se narra de manera cronológica ordenando desde el surgimiento  del grupo. Os destaco estos capítulos que a mi me han ayudado a entender muchos porqués del expresionismo abstracto. Capítulo 2. La imaginación del desastre, capítulo 7. Los pintores del gesto, capítulo 20. El escenario del expresionismo abstracto, 1950-1952: triunfo y disolución.

El libro comienza con esta conocida fotografía:

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Y esta es la primera edición americana en 1970:

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El arte en el cine

En mis años de estudiante universitario me llamó mucho la atención este género de cine. Incluso me planteé hacer como tesis doctoral un tema como “La pintura en el cine”.

Aquí os voy recomendar unos libros sencillos de leer y que son muy importantes sobre el tema:

La Pintura en el Cine, El Cine en la Pintura por José Luis Borau

Primera edición del año 2003, Editorial Ocho y Medio.

Cuenta con un exquisito prólogo de Francisco Calvo Serraller.

Este libro reúne las dos posturas que destaca el título. Fueron dos discursos que dió el apremiado director de cine cuando fue nombrado Miembro de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis de Zaragoza y de la Real Academia de San Fernando de Bellas Artes. Los actos tuvieron lugar en el otoño de 2001 y la primavera del 2002. Ambos discursos, junto con material gráfico son lo que componen este libro.

La pintura en el Cine por Áurea Ortiz y María Jesús Piqueras

De la colección Paidós Sesión Continua. Editorial Paidós. Primera Edición 2003 (libro que salió en 1995 en Ota colección, Studio y que en el 2003 fue revisado y ampliado).

Este libro contiene mucha menos información gráfica pero que es compensado por una gran lista bibliográfica y una indispensable lista de filmografía esencial.

Es que estos dos géneros artísticos tienen una base muy pictórica. Este libro intenta descubrir los distintos caminos por los que la pintura llega al cine, estableciendo sus complejas relaciones, las semejanzas y las diferencias entre ambos tipos de representación visual, teniendo en cuenta que cualquier reflexión sobre el tema supone hablar siempre de puesta en escena, es decir, de cómo construir una imagen.

Ambas autoras son miembras del Instituto Valenciano de Cinematografía.

El libro de mesa de los pintores.

El libro que ahora os comento es una obra indispensable para cualquier pintor. No lo conocía hasta que mi compañero Pelayo Ortega me lo recomendó. Tenía muchas dudas acerca de la materia. Que material sería el mejor para pintar y que resultase el más duradero en el tiempo. Cómo secar la pintura de óleo sin secativos, como preparar mis propios colore a base de pigmento, aprender a preparar una tela o lienzo… En este libro se recogen las soluciones a multitud de dudas que te serán aclaradas.

El libro es Los materiales de pintura y su empleo en el arte de Max Doerner. La primera edición data de 1921. No os asustéis. En cada edición posterior ha sido revisado y ampliado.

Max Doener (1870-1939, Munich) artista y teórico alemán. Viajo por Italia, Países Bajos y Francia estudiando las técnicas antiguas de la pintura. Estuvo en multitud de talleres de pintores contemporáneos a sus años de investigación. En ellos aprendió las dudas surgidas a los pintores y trató de reunirlas junto a sus soluciones y teorías. El resultado es este libro. En 1937 se creó en Munich como homenaje a este teórico el Instituto Estatal de pruebas e investigaciones para la tecnología del color

Este es el enlace del Instituto: http://www.doernerinstitut.de

Yo actualmente tengo en mi taller la 6ª edición en español editada en el 2005 y que es la traducción de 18ª edición alemana actualizada por Thomas Hoppe. Esta es la portada:

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No se que destacar, todo es importante. De sus 430 páginas Hay que tener especial atención a el capítulos 3, Los pigmentos. En este capítulo encontraréis la historia, el origen y las propiedades de cada pigmento. Así como emplearlos para realizar tu propia pintura. ven el capítulo 4 te enseña a emplear el aglutinante o diluyente perfecto para tu pintura.El capítulo 6 para mí es el más importante. Es donde vas a pintar la obra. Aquí nos muestra las diferentes imprimaciones para cada material. Esencial es conocer con que pintas. Para ello el capítulo 7 recoge todas las técnicas pictóricas. Nos las explica desde su creación, propiedades de conservación, tratamiento de la materia… En fin todo es importante. No es un libro que se deba leer de principio a fin. Cada capítulo es independiente. Vete a lo que necesites. Para ello algo muy útil, al final un práctico índice alfabético anterior a una selección de fotografías  a color.

Aqui os muestro la imagen de la primera edición española y una edición de las últimas en inglés: