Ropa de taller

Me propuse hacer un blog con notas de taller y trucos para pintar y dibujar. Pero me doy cuenta que muchas veces no es que sean trucos, sino casualidades. Son momentos en los que buscas entre tanta pintura un lápiz camuflado entre el frondoso bosque de tubos de pintura al óleo o cuando necesitas un color y no lo encuentras porque todos los tubos están manchados de tanto pasar por mis manos y danzar a lo largo de la mesa de trabajo chocando con los demás tubos de pintura abiertos.

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Al final aprendes a tener paciencia… acaban apareciendo las cosas.

Os recomiendo siempre trabajar con ropa con bolsillos. Para meter los lápices, carboncillos, cúter y un metro que nunca aparecen cuando los necesitas. A mi no me gusta trabajar con mono o con bata, me siento incómodo. He probado a ponerme un mono de trabajo pero yo uso mucho las manos a la hora de pintar y en consecuencia me froto las manos en la ropa para limpiarlas en pleno proceso. Acaba traspasando el mono y me pinta la ropa de calle. Es mejor tener ropa y cambiarse de los pies a la cabeza. Normalmente uso un pantalón de chandal de algodón, una camiseta de las que ya no vayas a usar en casa y un forro polar de esos que venden ahora en Decathlon por cinco euros. Es ropa cómoda y fácil de vestir. He probado a pintar en camiseta pero luego me quedan todos los brazos manchados y al pasar el cepillo sufro bastante… Los pantalones siempre con bolsillos.

En las casas de los artistas las camisetas tienen una vida más. Antes de ser trapos para limpiar en casa, primero sirven para trabajar en el taller. Luego si, pasan a ser trapos, pero para limpiar los pinceles.

El calzado ha de ser cómodo. Vas a estar muchas horas de pie. Pero también si trabajas en un local o nave es muy importante llevar un calzado contra el frío. Yo normalmente tengo unas zapatillas de trekking o de montaña. De las que ya has usado en excursiones, parrilladas y paseos por el muro. Actualmente mi amigo el podólogo Miguel Vigil me ha realizado unas plantillas para estar de pie y que no sufra tanto la zona lumbar.

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Como veis al final la indumentaria es muy importante. La ropa cómoda y que no te importe ensuciarla. Así disfrutarás más en el taller.

Catálogo de arte, ¿Una pieza más de la exposición o un mero recopilatorio?

Un catálogo de arte. Algo que siempre me encanta tener entre mis manos. Deleitarme con lo visto de manera tranquila. Una afición ya de joven. En casa a mi padre le gustaba mucho el arte y conocía a muchos artistas. Tenía muchos libros y catálogos para poder ojear. En la facultad de Historia del Arte se me acentuó la afición a los libros de papel. No soy capaz de leer en una pantalla del ordenador más de 20 minutos seguidos. Tengo la sensación que al leer en la pantalla se me olvida o se autodestruye todo lo leído a medida que avanzo por las palabras. En los catálogos de arte me sucede lo mismo.

Me siento a descansar en la mesa de la parte de atrás del taller a tomar un café y siempre ojeo un libro. Es el momento donde voy destripando los catálogos de mis compañeros, de exposiciones en museos que he visitado o libros de historia del arte poco a poco. Cuando intento hacer lo mismo en un ordenador me resulta imposible. Empiezo a pasar de imágenes de manera rápida, compulsiva e incluso nerviosa. La propia luz de la pantalla ya me genera cierta ansiedad. Parece que delante del ordenador tu no marcas el ritmo de lectura.

Pero aunque me gusten mucho los catálogos de arte los veo cada vez más anclados en el pasado. Me han sorprendido este último año los catálogos que ha producido el Museo de BBAA de Asturias. Increíbles. Una pieza más de la exposición. Actualmente las galerías apenas producen catálogos de arte. Es un error. Pero también es un error que el propio artista no vea esta herramienta como parte de su trabajo e invierta en la autoedición. Yo como artista cada vez me estoy planteando hacer catálogos de los temas que desarrolle. Autoeditarlos -si la galería quiere intervenir mejor- y en vez de crear un mero catálogo de imágenes de las obras expuestas o del proyecto, crear un catálogo como otra pieza de arte de la serie. Una edición limitada de ejemplares numerados. Un catálogo que presente más el proceso, el trabajo en silencio y en soledad del artista, adentrarse en su mundo y dejar como algo secundario el resultado, las obras. El por qué de la idea del proyecto, citas, influencias y notas del propio artista. Yo como pintor añadiría ciertas notas , dibujos o bocetos.

Actualmente me están llegando a mis manos verdaderas obras de arte en maquetación, diseño y encuadernación. Os voy a mostrar varios ejemplos de catálogos de arte que recogen estas características:

El catalogo razonado de las obras de Camín. Editado por la fundación Cristina Masaveu. Diseñado por Manuel Fernández.

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El vaciado de la huella belga de Carlos Suárez. Editado por el Museo de BBAA de Asturias. Diseñado por Manuel Fernández.

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57 Premio Nacional de Artes Visuales Octavio Podesta. Editado por I+D Diseño Uruguay.

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Catálogo De Francisco Fresno titulado Hacia La Luz. Hasta la ausencia diseñado por Juan Jareño para el Museo de BBAA de Asturias.

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Una galería al día es una galería que participa en ferias.

Ahora en febrero en Madrid se realizan las ferias más importantes en territorio nacional: ARCO, ArtMadrid, Drawing room, JustMad… La pena o lo bueno es que se concentren todas la misma semana. Yo por mi parte me parece un poco saturante. Acabo más que empachado de ver arte, supuro pintura por los poros, veo en formato digital y cada esquina en la calle me parece una instalación…  Pero por otra parte es la oportunidad de ver grandes obras de diferentes países en la misma semana. Hay numerosas charlas, conferencias, actividades paralelas en toda la ciudad relacionadas con las ferias. Es una semana intensa. Es imposible ir a todo. Yo os recomiendo ir con calma y disponiendo de tiempo a las cosas que seleccionéis. Elige y deshecha. Si vas queriendo ver todo por ver, al final no ves nada. No disfrutas. Por ejemplo para visitare ARCO necesitas un día para verlo. No se puede ver de seguido, tienes que meter entre naves momentos de desconexión como un café o salir a comer. La saturación y la disparidad de propuestas te puede llegar a colapsar. os recomiendo ir haciendo fotos de cosas que os interesen, quedaros con los nombres de artistas para luego conocerlos más detenidamente en casa.

Actualmente el mundo del arte se mueve en las ferias internacionales. Las galerías cada vez apuestan más por estas ferias. Es un acierto porque una pequeña galería de ciudad puede llegar a ser vista por grandes galerías mundiales. Actualmente los locales o espacios expositivos de las galerías de arte no tienen que ser muy grandes. Eso es algo del pasado. Hoy en día hay que tener un local que sirva de oficina, almacén y pequeño espacio expositivo. Conozco algunas galerías internacionales que el local apenas es de 50 metros cuadrados pero tienen stands de 200 metros cuadrados en grandes ferias internacionales. A día de hoy una galería de arte que no va a ferias es una galería local, muerta, en extinción.

Las  galerías clásicas son reacias a ponerse al día en internet. No saben lo importante que es tener una buena web. Actualizada, dinámica y de rápida búsqueda y visión. Desconocen el poder de las redes sociales y las aplicaciones que se le pueden dar. El espacio expositivo que se puede crear en internet es ilimitado. Puedes crear una increíble galería virtual que se pueda ver en todo el mundo. Mucha gente compra por internet y no es menos en arte. Una buena inversión como galerista sería emplear a una persona dedicada a tener actualizadas las redes sociales. Crear una buena base de imágenes de las obras de los artistas que representa. El estar al día en las redes sociales no es poner una mera foto de la exposición actual, sino estar al día de las tendencias, modas y eventos y poder vincularlos con cualquier actividad o artista de tu galería. Puedes incluso poner algún link de museos, galerías internacionales, ferias, concursos, libros, tendencias en la decoración, diseño… Cualquier noticia ajena a tu galería puede llevarte a ella. Nunca sabes por donde van a venir los interesados.

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Vasili Kandinsky y sus tres libros fundamentales.

En este artículo no me voy a extender en  hablar del gran artista y teórico Vasili Kandinsky sino de sus tres grandes ensayos teóricos que aportan una importante base para entender el arte contemporáneo. Para entender un arte espiritual, fuera de academicismos clásicos y más ligado al alma del artista.

Vasili Kandinsky (1866-1944) Artista y teórico ruso. Se le considera el precursor de la abstracción en la pintura. Con el se dice que comenzó la abstracción lírica y el expresionismo (fundó en 1911 junto con Franz Marc y otros artistas el grupo expresionista Blaue Reiter, El Jinete Azul). Profesor de la Bauhaus entre 1922-33. Kandinski no solo enseñó la clase de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma.

Kandinski expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinski afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. Kandinski también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Esto se recoge en sus libros de teoría que son:

De lo espiritual en el arte. Publicado por primera vez en 1912.

En el libro de Kandinski compara lo espiritual en la vida de la humanidad a una pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. La evolución del arte y del mundo espiritual se produce en libertad, fuera de influencias. A veces se centra en el color y otras veces en las formas. La evolución de la pintura depende de las formas y de los colores, de como se vayan utilizando y combinando.

Actualmente puedes encontrarlo en la editorial Paidós Estética 24. Al igual que los dos siguientes. Sencilla edición pero con las ilustraciones originales que me encantan. No llega a 115 páginas. Es corto pero no es una lectura entretenida.

Punto y línea sobre el plano.  Aparecido en 1926. Contribución al análisis de los elementos pictóricos.

En sus escritos Kandinski analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico.

El libro se divide en tres partes:

1. El punto. La forma elemental más pequeña, el punto no es sólo redondo, puede tener la forma que queramos.

2.Linea. Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada. Las líneas se crean con rectas pero pueden sufrir ondulaciones creando curvas (moldeables).

3.Plano. Superficie material destinada a reunir el contenido de una obra.

La gramática de la creación. El futuro de la pintura. Primera vez publicado en 1936.

En este libro trata de justificar el principio de necesidad interior, o principio de la toma de contacto con el alma humana. Kandinsky se lamenta de que se haya criticado el arte de la actualidad de ser voluntariamente inexpresivo y cerebral, de haber restringido las posibilidades de evolución y desarrollo de la pintura.

Este libro destaco los apartados de La pintura como arte y todos los puntos tratados en El futuro de la pintura, donde hace una definición muy buena del arte abstracto.

 

Historia del Arte. Un gran resumen en un libro imprescindible.

Este libro es un clásico dentro de la carrera de Historia del Arte. Es un libro indispensable para entender todas las etapas del arte. Una visión bien sintetizada del arte. Unas descripciones perfectas.  Su amenidad y la acertada selección de obras y artistas hacen de esta obra la mejor introducción moderna al tema para el lector en general. En resumen, un gran libro indispensable para los amantes del arte.

El libro es Historia del Arte de Ernst H. Gombrich.

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El libro que yo tengo en mi biblioteca y os describo es la 15 Edición española, revisada y ampliada. Esta edición es de 1990 impresa por la editorial Alianza Forma.

Este libro está muy valorado, sus 550 páginas de 20×15 cm con fotografías a color tienen un precio de 85 €.

Ernst H. Gombrich (1909 Viena – 2001 Londres) fue uno de los grandes historiadores del arte. Y lo fue, sobre todo, porque supo poner al servicio de una escritura transparente, y de una sorprendente capacidad de divulgación, un asombroso caudal erudito que se alimentó de las fuentes más diversas desde el arte más primitivo hasta su contemporaneidad.

Decía en una entrevista publicada en el Pais el año 1991 “En cierto sentido, puede decirse que el arte es como un ser vivo, y que tiene por lo tanto su propia ecología. el espacio social en el que se mueve. Cuando cambia ese espacio, el arte también cambia”.

En el prefacio dice que este libro se dirige a todos aquellos que sienten la necesidad de una primera orientación en un terreno fascinante y extraño.

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Este libro a su vez es indispensable por sus tablas cronológicas, sus mapas y sus ilustraciones a color a lo largo de todo el libro, algo que los manuales no suelen tener.

Su trabajo más influyente no es este libro. Se trata de Arte e ilusión de 1960.

Manual de Arte Moderno esencial para amantes del arte.

Uno de los mejores libros que resume el arte moderno y el comienzo del arte contemporáneo es El Arte Moderno. Del ilusionismo a los movimientos contemporáneos por Giulio Carlo Argan. Editorial Akal..

Giulio Carlo Argan (1909-1992 Roma). Historiador y crítico de arte italiano. Llegó a ser alcalde de Roma entre 1976-79 y senador de la república desde 1983-1992. Fue uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Fue profesor de Historia del Arte e inspector de grandes museos.

La primera edición fue en 1988 en Italia bajo el nombre de L´arte Moderna.

En España la primera edición fue de 1991 y se estructuraba en dos tomos. Actualmente la edición de 1998 se reúne en un tomo. Aquí os muestro las características de la obra:

Yo este libro lo he conocido en la Facultad de Historia del Arte. Fue uno de mis manuales indispensables para hacerme una idea del panorama del arte en esas épocas. Reune buenas descripciones de arquitectura, pintura y escultura.

El manual comienza con el periodo clásicista y romántico de finale del S.XVIII y termina en el arte de los años 80 del siglo XX. De hecho al final del libro hay un resumen de biografías de los artistas más notables del S.XX. Indispensable el índice de artistas y sus ilustraciones al final del libro.

Os recomiendo leer ese libro lentamente, por pequeños periodos. Un libro de mesita de noche en el que vas descubriendo y analizando la historia del arte poco a poco.

Que bastidores emplear a la hora de pintar.

He realizado multitud de bastidores con distintos materiales y a día de hoy lo tengo muy claro. Los mejores bastidores de madera los de Moreno Lopez de Soria.

Al principio cualquier bastidor es caro. Cuando comencé a pintar en mi propio estudio de pintura -bueno en una habitación de un piso compartido en la Plaza de Europa. Por casualidad de la vida el piso abuhardillado que compartíamos varios artistas había sido el taller de Nicanor Piñole. Me lo dijo un día Amador, el propietario de la Galeria Corníon que un día vino a ver mis obras allá en el año 97 y marchó horrorizado- el alquiler me lo pagaban mis padres. Yo con la paga semanal y con lo que ahorraba de trabajar los veranos me compraba el material. En aquella época ingresos por venta de obras era nulo.

Me compraba listones de madera. Ya para encontrarlos rectos en la tienda era una odisea y luego en el taller los cortaba con mi sierra manual. Con suerte salían dos iguales de largo. Ni me planteaba hacer un corte en inglete para unirlos en las esquinas. Cuando los bastidores quedaban bien el problema era otro. Al tensar la tela para graparla al bastidor los listones se doblaban por la tensión ejercida del lienzo. Y para rematar el acabado, los bastidores por cualquier cambio de temperatura se combaban. Un desastre. Eso es porque la mayoría de madera que podemos encontrar en las tiendas de madera aún no están secas. Algunas incluso al comprarlas ves que desprenden resina y huelen a verde. Estas maderas no están tratadas, ni pulimentadas y con los cambios de temperatura se contraen. Acabé desistiendo de querer ahorrarme un dinero en este apartado. Comencé a trabajar de manera continuada con bastidores de fábrica.

Comencé con los bastidores de madera de Lienzos Levante. Eran los que se podían conseguir en Gijón en las tiendas. son bastante básicos. La madera no es muy buena. No son muy macizos. Las maderas de los listones a veces son muy ligeras, como corcho. A su vez al tensar la tela se pueden combar en alguna esquina. Eso ocurre con tamaños superiores a 100×81 cm en listones de 46×17 mm. De esta casa recomiendo los bastidores de tamaño doble de 46×32 mm. Son más resistentes pero el problema es que mantienen el tamaño de 46 mm en el ancho. Deberían ser de 60 mm. Otro fe los problemas que tienen es la unión de bastidores. Muchas veces al golpearlos para unirlos entre sí rompen las pestañas. Dice el catálogo que es el ensamble más resistente del mercado. Pues yo debo de tener el martillo de goma más fuerte del mercado -el que usa Thor para sus bastidores-. El último de los problemas es que los listones para realizar las cruces interiores de refuerzo son de madera muy fina y si tensas mucho la tela comban.

Aquí os muestro el ensamblaje de Lienzos Levante y la de los bastidores de Moreno López:

Otros bastidores que podéis encontrar en el mercado son los de Talens. El problema es que sólo los venden con la tela de lienzo puesta. La tela es muy mala. Simple imprimación y muy fina.La madera es de perfil grueso pero muy fina. Los bastidores son muy ligeros. Para tamaños superiores a 100x100cm no os los recomiendo. Bailan para todos los lados.

Estos son los de Talens:

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Con el tiempo y empleando los anteriores modelos me di cuenta de que para realizar obras de gran formato se me hacía imposible con estos soportes tan endebles y frágiles. Un día me crucé con Pelayo Ortega en la entrada de la galería Cornión. Sus bastidores eran increíbles. Le pregunté donde los compraba. Me dijo: -Yo los encargo en Soria. Me lo dijo Melquiades Álvarez que investigó mucho sobre el tema. Se llaman Bastidores Moreno. El dueño se llama Jesús Moreno, ya te dejo un día el teléfono en la galeria.

Acababa de tirar varias obras por emplear material de pintura barata y de supermercado. Era el año 2006 y tenía una gran exposición individual en Madrid. Mi gran oportunidad en la galería Fruela. Quería emplear buen material y por ello me decidí a realizar un pedido.

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Llamé y me dijeron que se podían pedir de cualquier tamaño. El grosor de los sencillos es perfecto, de 60x20mm. Es una madera muy rígida y maciza. No hace falta ponerles cruz de refuerzo a no ser que sean mayores de 120x120cm. El tamaño para los de gran formato es de 70x30mm. Y lo bueno es que la madera de las cruces es del mismo grosor, muy resistentes. Pensé que les previo iba a ser una pasada. Cual fue mi sorpresa que los bastidores pequeños son igual o más baratos que los de Levante. Los mayores son más caros, pero la calidad está a años luz entre ambos.

Hace un par de años hablando con Antonio López en Madrid, no sé como salió el tema de los bastidores. Me dijo que compraba los bastidores de Soria, los de Moreno López. Ya me quedó todo claro. Esos son mis bastidores de referencia.

Aquí os voy a realizar una simple diferencia entre los bastidores comprados y los que te preparas con listones de madera. Medida de 100x100cm.

Bastidor comprado en Moreno López de 60x20cm – 20 €

Bastidor casero: Listones de 2,30m comprar 3. La unidad es de 4 euros de 40×20 mm (12€). A esto hay que añadir el cortarlos, lija para redondear los bordes (1€), cola para pegarlos (3€) y grapas para unir los listones y que no se abra la cola al pegarlos (2€). Luego esperar un día para emplearlos. Total 18 € frente a 20. Pero carece del bisel interior del listón, algo muy importante:

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En definitiva, no perdáis el tiempo en emplear listones de madera baratos. Con el tiempo se notará la diferencia. Es más sencillo pedirlos hechos con un buen anclaje entre los listones y bien redondeados en el exterior para que no sufra la tela.

Luego cada uno puede investigar, pero os recomiendo que hagáis caso de los expertos que ya han investigado. Te ahorrarás tiempo y dinero.